Акимов, николай павлович

народный артист СССР

(16 апреля 1901 — 06 сентября 1960)  
Театральный режиссер и художник, народный артист СССР.
 
В 1935-49 и с 1956 г. главный режиссер Ленинградского театра Комедии. С 1960 года — профессор Ленинградского театрального института.
Н.П. Акимов родился 16 апреля 1901 года в Харькове. В Петербурге прошли годы учения — в Новой художественной мастерской (1916-1918) и во ВХУТЕМАСе (1922), где преподавали М.В.Добужинский, А.Е.Яковлев, В.И.Шухаев.
В 1923 году начал работать как книжный график и художник театра. Первые спектакли оформлял с режиссерами «левого» направления — Н.Евреиновым, Н.Петровым, К.Хохловым и др. В 1927 году в Ленинграде состоялась первая персональная выставка.
В 1932 году спектаклем «Гамлет» в театре им. Е.Вахтангова дебютировал как режиссер. С 1933 года работал главным режиссером Ленинградского Мюзик-Холла, где организовал Экспериментальную мастерскую, в которой работали Е.Юнгер, А.Бениаминов, Б.Чирков, Ю.Лавров.
С 1935 года возглавил Ленинградский театр Комедии.
Приглашение в театр Комедии на должность его руководителя было актом отчаяния: казалось, умирающему театру уже никто не поможет. Но то, что сделалось с театром уже через год работы в нем Акимова, превзошло всякие ожидания. Театр не просто воскрес. Он стал качественно другим. Случилось необыкновенное чудо.
Лидер по натуре, уникально одаренный художник, график, литератор, режиссер, оратор, организатор, — ренессансная личность, Акимов построил театр столь оригинальный, что даже вопреки нормам русского языка слово Комедия в названии театра стало писаться с заглавной буквы. Эта акимовская «К» и сегодня на программках спектаклей театра, носящего имя Акимова.
Новый стиль театра отразился на стиле его жизни. Акимовский театральный плакат стал неотъемлемой художественной частью спектакля, его изобразительной, не только рекламной информацией. Всевозможные выставки в фойе театра раскрывали новые тайны создания той или иной постановки.
К наиболее удачным, этапным спектаклям стали издаваться брошюры, включающие в себя текст пьесы, статьи создателей режиссеров, художников, переводчиков, — фотографии актеров-исполнителей, театральные программки, эскизы костюмов и декораций.
Первый этап в создании нового театра для Акимова был связан с воплощением на сцене высокой зарубежной классики. Творческий альянс с великолепным переводчиком и другом М.Л.лозинским помог режиссеру заново открыть не только ранее не переведенные пьесы, но и уже известные. Это «Собака на сене» (1936 г.) и «Валенсианская вдова» (1939 г.) Лопе де Веги, «Школа злословия» Шеридана (1937 г.) и «Двенадцатая ночь» Шекспира (1938 г.). Эскизы костюмов Акимова являлись также и портретами актеров, выбранных на данную роль. Так что, по словам Акимова «рисование сценического костюма переросло в рисование сценического образа».
Острая выразительность «живописной режиссуры» Акимова, искусство замечательных актеров труппы театра, кропотливо подобранной режиссером, открыли зрителю совершенно новый тип профессионального демократического театра комедии. Ошеломительный успех его спектаклей создал устойчивую славу театру не только в нашей стране. Здесь работали такие замечательные актеры. как Л.П.Сухаревская, Б.М.Тенин, И.М.Суханов, Г.А.Флоринский, Л.К.Колесов.
Уязвимость театра «одного жанра» подвигли Акимова создать при театре в конце 50-х годов литературное объединение. Так театр стал лабораторией современной комедии, откуда вышли впоследствии известные литераторы В.Константинов, Б.Рацер, А.Тверской, Д.Угрюмов, Д.Аль, Л.Раков и др. В довоенный период постоянными авторами театра были В.Шваркин, М.Зощенко, Ю.Герман, А.Арбузов.
Во время войны, в осажденном Ленинграде и позже, в эвакуации Акимов не покидал своего театра. В тот период театр сыграл 16 премьер, в том числе «Питомцы славы» А.Гладкова (1941 г.) и «Дракон» Е.Шварца (1944 г.). Последний был запрещен цензурой и возобновлен лишь в 1962 году. В 1949 году «за формализм в искусстве» и «западничество» Акимов был отстранен от руководства театром. Именно в этот период жизни он создал на сцене театра им.Ленсовета знаменитые спектакли сатиры — «Дело» А.Сухово-Кобылина и «Тени» М.Салтыкова-Щедрина. Ирония сменилась сарказмом, когда речь шла о бюрократической системе, обезличивающей человека. Возвращение его в 1956 году в свой дом ознаменовалось постановкой «Обыкновенного чуда» любимого драматурга Е.Л.Шварца.
Умер Акимов в сентябре 1968 года, в номере московской гостиницы, во время гастролей театра.
Незаконченной осталась акимовская постановка пьесы Шекспира «Конец — делу венец».

Известные произведения Чарушина

Как автор, он сотворил много произведений для детского чтения, среди которых не только прозаические вещи, но и стихи. Список самых известных вещей у Евгения Ивановича составляет не менее десятка рассказов.

Можно выделить следующие из них:

• «Как мальчик Женя научился говорить» (из цикла «Про Женю»),
• «Про Томку»,
• «Яша»,
• «Кто как живет»,
• «Медвежата»,
• «Щур»,
• «Олешки»,
• «Волчишко»,
• «Путешественники».

Героями Евгения Ивановича часто выступают дети, которые взаимодействуют с животными. Нередко представители животного мира обладают качествами, которые восхищают писателя. Например, ворон в рассказе «Яша».

Успех и признание

Успех произведений был настолько очевиден, что уже в 1871 г. Римский-Корсаков получает приглашение на должность профессора практического сочинения, инструментовки и оркестровки в Петербургскую консерваторию.

Здесь надо заметить, что без соответствующего образования получить профессорское назначение было не так просто. Однако необычная биография и выдающиеся способности будущего классика никем не подвергались сомнению. Интересно, что на сегодняшний день эта консерватория носит его имя.

Композитор в 1897 году

Через два года музыкант становится инспектором духовых оркестров Морского ведомства, а в 1874 – директором Бесплатной музыкальной школы. В этом же году Римский-Корсаков начинает активно заниматься дирижированием симфонических концертов, а потом и оперных спектаклей.

В биографии Римского-Корсакова отчетливо прослеживается, насколько легко он принимался за тот или иной вид деятельности.

Интересно, что его прозвали «сказочником» за любовь к фантастическому миру сказок. Именно он придумал симметричный лад, который позже назовут «гамма Римского-Корсакова».

Первой оперой маэстро стала «Псковитянка», написанная в 1872 г. Через семь лет он создает «Майскую ночь» по сюжету Н.В. Гоголя. Затем, в 1881 г. появляется наиболее вдохновенная опера «Снегурочка», написанная для сказки А.Н. Островского (см. интересные факты об Островском).

Интересным фактом в биографии Римского-Корсакова является то, что в начала 1890-х годов у него начал наблюдаться некоторый творческий спад. Однако потом, наоборот, с невероятной интенсивностью выходят потрясающие оперы «Ночь перед Рождеством» (1895), «Садко» (1896), «Моцарт и Сальери» (1897), пролог к опере «Псковитянка» и «Царская невеста» (по драме Льва Мея, 1898).

Николай Устинов / О жизни и творчестве

• Богатырёва, Н. Рыцари детской книги / Н. Богатырёва // Читаем вместе. — 2008. — №8–9. — С. 42.
• Богатырёва, Н. Лучше книг могут быть только книги : о российских писателях и художниках, включённых в Почетный Список IBBY — 2016, в том числе Н. А. Устинове / Н. Богатырёва // Читаем вместе. — 2016. — № 10. — С. 2.
• Герасимова, Н. Хозяин зелёного слона : художнику Н. А. Устинову — 75 лет / Н. Герасимова // Дошкольное воспитание. — 2012. — № 7. — С. 59–64.
• Линкова, И. Юрий Коваль. Полынные сказки : о книге Юрия Коваля «Полынные сказки» с иллюстрациями Николая Устинова Электронный ресурс — Режим доступа: Открытый доступ — (Дата обращения: 19.06.2019).
• Малая, С. Николай Устинов: о природе, о людях, о себе Электронный ресурс — Режим доступа: Открытый доступ — (Дата обращения: 19.06.2019).
• Орлова, Е. О. Детская книга: включение школьника в диалог писателя и художника / Е. О. Орлова // Начальная школа. — 2019. — № 2. — С. 45–50. — (Современное языковое и литературное образование).
• Погудина, Т. Художник-иллюстратор детской книги Николай Устинов / Т. Погудина // Детская роман-газета. — 2012. — № 12. — С. 17–20.
• Почётный диплом IBBY : наши соотечественники в Почётном списке — 2016 Международного совета по детской и юношеской книге // Библиотека в школе : журн. изд. дома «Первое сентября». — 2016. — № 11–12. — С. 32. — Ил. — Фот. — (Остров сокровищ) (Вахтенный журнал).
• Устинов Николай Александрович Электронный ресурс — Режим доступа: Открытый доступ — (Дата обращения: 19.06.2019).
• Устинов, Н. А. Хозяин зелёного слона : художнику Н. А. Устинову — 75 лет / Н. А. Устинов ; беседу вела Н. Герасимова // Дошкольное воспитание. — 2012. — № 7. — С. 59–64. — Портр. — Ил. — (Чтение художественной литературы).
• Чижиков, В. А. Удивительный художник и человек : Н. А. Устинову — 80 лет / Виктор Александрович Чижиков ; материалы подготовлены Н. Герасимовой // Дошкольное воспитание. — 2017. — № 7. — С. 42–45. — Ил. — Фот. — (Речевое развитие).
• Шеваров, Д. Рассказать, что солнце встало! : об открытии в Российской государственной детской библиотеке юбилейной выставки одного из самых блистательных иллюстраторов русской поэзии Николая Устинова / Д. Шеваров // Российская газета. — 2012. — 1 нояб. — С. 30. — Портр.
• Шульгин, А. Сказочные будни Николая Устинова : письмо другу / А. Шульгин // Юный художник. — 2015. — № 7. — С. 34–35.— Ил.
• Юбилей художника. «Воздух и свет». Интервью с Николаем Устиновым Электронный ресурс — Режим доступа: Открытый доступ — (Дата обращения: 19.06.2019).

Биография

Николай Петрович Крымов родился в Москве 20 апреля (2 мая) 1884 в семье художника П. А. Крымова, писавшего в манере «передвижников». Первоначальную профессиональную подготовку получил у отца. Брат известного хирурга — А. П. Крымова.

В 1904 г. поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где сперва занимался на архитектурном отделении, а в 1907-1911 — в пейзажной мастерской А. М. Васнецова. Участник выставки «Голубая роза» (1907), а также выставок «Союза русских художников». Жил в Москве, проводя также (с 1928) значительную часть года в Тарусе.

Уже в ранних своих работах примкнул к символизму — в том числе и в качестве графика-оформителя журнала «Золотое руно» (1906-1909). Натурные впечатления в ту пору порой претворялись у него в зыбкое красочное марево, напоминающее скорее гобелен, чем картину («Под солнцем», 1906, Русский музей). Позднее краски и формы обретают у Крымова все большую материальную предметность, однако природа, чаще всего безлюдная, пребывает не менее поэтической («Желтый сарай», 1909, Третьяковская галерея; «Утро», 1916, Ярославский художественный музей). Безыскусная простота типичных среднерусских мотивов соединяется в «классических», тарусских картинах мастера («Речка», 1926; «У мельницы», 1927; обе в Третьяковской галерее) с ясной гармонией композиции и особой системой «общего тона», переводящей ландшафт в сферу чисто эстетического созерцания. Считая сутью живописи не краску, а именно тон (наполняющий цвет светом), Крымов предлагал в качестве идеальной точки отсчета горящую спичку на фоне ярко освещенной солнцем стены. Изложил свои теоретические взгляды в статье «О Левитане» (1938).

Внес значительный вклад в сценографию, оформив во МХАТе «Горячее сердце» (1926) и «Таланты и поклонники» (1933) А. Н. Островского, а также «Унтиловск» Л. М. Леонова (1928). В 1919-1930 много работал и как педагог — в Пречистенском практическом институте, Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас) и Московском областном художественном училище памяти 1905 года. Особенностью педагогического дара Крымова было то, что в каждом из своих учеников он видел и развивал индивидуальность. У пейзажиста Крымова ученики стали жанристами, историческими живописцами, портретистами — С. П. Викторов, Ю. П. Кугач, Ф. П. Решетников, Н. К. Соломин.

Репертуар и актерский состав обновляются

Премьеры, проходившие с триумфом, ставились одна за одной. На сцене театра Комедии он смог воплотить в реальность свои давние планы. Николай Петрович давно хотел поставить известные пьесы Е. Л. Шварца и сделал это. Так появились спектакли «Дракон» и «Тень». В репертуаре театра содержались и классические спектакли, такие как: «Собака на сене» (Лопа де Вега), «Двенадцатая ночь» (Вильям Шекспир), «Школа злословия» (Ричард Шередан). Николай Акимов, фото которого регулярно публиковалось на страницах газет, освещавших культурную жизнь Ленинграда 30-х годов, активно экспериментировал в своей «вотчине». В театре Комедии он подобрал новый актерский состав, распрощавшись с примой Грановской и отказавшись от сотрудничества с русским тенором Леонидом Утесовым. В труппу он пригласил неопытных, но перспективных актеров, часть из которых работала в театральной студии «Эксперимент». В частности, Николай Акимов (режиссер) пригласил в свою команду Ирину Зарубину, Бориса Тенина, Сергея Филиппова, Александра Бениаминова. Все они стали известными фигурами в искусстве перевоплощения. Эскизы костюмов, которые придумывал маэстро, максимально соответствовали актерам, которых он утверждал на роли. Естественно, Николай Павлович сам работал над театральными плакатами, не доверяя это дело никому другому.

В конце 30-х годов руководимый им храм Мельпомены стал излюбленным местом проведения досуга для театралов «города на Неве».

Когда началась Великая Отечественная война, труппа театра Комедии продолжала некоторое время давать спектакли, но уже в здании БДТ, поскольку только там имелись бомбоубежища. Порядка 30 артистов взяли в руки оружие и отправились на борьбу с врагом. Театр эвакуировали на Кавказ, где режиссер поставил целых 16 премьерных спектаклей.

Ссылки[]

• Материалы о Н.П. Акимове
• Книга Н.П. Акимова «Не только о театре»

en:Nikolay Akimov
uk:Акімов Микола Павлович

• Страница — краткая статья
• Страница 1 — энциклопедическая статья
• Разное — на страницах: 2 , 3 , 4 , 5
• Прошу вносить вашу информацию в «Акимов, Николай Павлович 1», чтобы сохранить ее

Карьера

Во время Евромайдана Дульский состоял в националистической праворадикальной организации «Белый молот», которая была создана в марте 2014 года. Он самолично участвовал в тех трагических для Украины событиях. Позднее блогер разочаровался во власти и стал разоблачать тех, кто был виновен в разжигании конфликта на его родине. В одном из интервью он открыто говорил о том, что на Майдане участвовали три снайперские группы, которые расстреливали невинных людей.

Дульский основал общественную организацию «Гражданский контроль «Наждак»» и стал ее лидером. Цель их деятельности – установление социального, справедливого, равноправного общества на Украине, борьба с коррупцией, алчностью, пороками общества. Соратники Николая под его руководством боролись с подпольным бизнесом, процветающим в городе Киеве и области: с казино, борделями, продажей контрафактного алкоголя, незаконными застройками.

Сегодня Николай активно выступает против «Азова», «Правого сектора», незаконно пришедшего к власти правительства. В основном свою деятельность он ведет как известный блогер в сети интернет. Некоторые негативно настроенные против него деятели Украины считают Дульского предателем и пособником Кремля.

Работы итальянского периода

Из биографии Карла Брюллова известно, что итальянский период его творчества ознаменовали многочисленные портреты. Среди них стоит отметить «Всадницу», портрет Матвея Виельгорского и Юлии Самойловой. Эти шедевры относятся именно к этому периоду. К портретной живописи Брюллов вернется снова уже по возвращению в Санкт-Петербург.

Стоит отметить, что в общей сложности художник провел в Европе более 12 лет. Но Италия его привлекала больше всего. Через несколько лет он вновь вернулся сюда. В творчестве Карла Брюллова Италия сыграла огромную роль. Во время второй поездки в страну он занялся тщательным изучением развалин древнейших городов – Помпеи и Геркуланума, которые были разрушены в ходе сильнейшего землетрясения. Художника невероятно впечатлили величественные Помпеи, погибшие от стихии. Поэтому последующие годы он изучал историю города и археологические находки. В результате кропотливой и длительной работы была написана одна из самых известных картин – «Последний день Помпеи». Многие искусствоведы сходятся во мнении, что эта работа стала вершиной творчества художника и его мастерства. Над полотном художник работал шесть лет.

В 1833 году после длительных работ Брюллов вынес на суд ценителей искусства «Последний день Помпеи». Весть о потрясающей картине гениального мастера быстро облетела все школы искусств и светские салоны. Полюбоваться творением приезжали не только знатоки, но и ценители прекрасного. Картина Брюллова выставлялась в Париже и Милане. После знакомства с ней все неизменно приходили в восторг.

Определение слова «Кончаловский» по БСЭ:

Кончаловский — Максим Петрович , советский терапевт, заслуженный деятель науки РСФСР (1934). В 1899 окончил медицинский факультет Московского университета. С 1918 профессор 2-го МГУ, с 1929 директор факультетской терапевтической клиники 1-го Московского медицинского института, одновременно — научный руководитель института гематологии и переливания крови (с 1928) и заведующий терапевтической клиникой Всесоюзного института экспериментальной медицины (с 1929). Разрабатывал общие проблемы клиники: изучение «предболезненных» состояний, вопросов трудового прогноза, периодичности в течении болезней, клинических синдромов. К. принадлежат важные исследования по патологии желудочно-кишечного тракта, печени, лёгких, сердечно-сосудистой системы, кроветворной системы, ревматизму. Председатель Всесоюзного комитета по борьбе с ревматизмом (с 1928), Всесоюзного терапевтического общества (с 1931). Вице-президент Международной лиги по борьбе с ревматизмом (с 1936). Создал крупную школу терапевтов, среди представителей которой: Е. М. Тареев, А. А. Багдасаров, Б. Е. Вотчал, С. А. Гиляревский, А. Г. Гукасян и др. Награжден орденом Трудового Красного Знамени. Соч.: Избр. труды, М., 1961 (библ.). Лит.: Гукасян А. Г., Максим Петрович Кончаловский и его клинико-теоретические взгляды, М., 1956. Кончаловский — Пётр Петрович , советский живописец, народный художник РСФСР (1946), действительный член АХ СССР (1947). Учился в академии Жюлиана в Париже (1897-98) и в петербургской АХ (1898- 1907). Жил в Москве. Один из основателей объединения «Бубновый валет». Преподавал в московских Свободных художественных мастерских (1918-21) и Вхутеине (1926-29). В своих ранних произведениях К. стремился соединить конструктивность цвета П. Сезанна со стихийной праздничностью красок, родственной русскому народному искусству. формальные поиски сочетаются в них с полнокровным, оптимистическим восприятием мира (портрет Г. Б. Якулова, 1910, «Сухие краски», 1912, «Агава», 1916,- все в Третьяковской галерее. «Семейный портрет», т. н. сиенский, 1912, «Верстак», 1917,- оба в собрании семьи К.). После Октябрьской революции К. перешёл от принципов живописи «Бубнового валета» к более непосредственно-реалистической манере, став одним из ведущих мастеров советской живописи. основной темой полотен К. становится поэтическое утверждение радости, счастья жизни. Натюрморты К. полны упоением чувственной красотой мира, богатством его красок («Листья табака», 1929, собрание семьи К.. «Сирень», 1933, «Хлеб, ветчина и вино», 1948,- оба в Третьяковской галерее). Среди портретов К. одни покоряют своей жизнерадостностью (портрет О. В. Кончаловской, 1925, Третьяковская галерея. «А. Н. Толстой в гостях у художника», 1941), другие связаны с острыми психологическими задачами, с напряжёнными, порой драматическими переживаниями и размышлениями (портрет В. Э. Мейерхольда, 1938, «Автопортрет», 1943, — оба в Третьяковской галерее). Национальная характерность искусства К. особенно ощущается в его пейзажах «Новгородской серии» (2-я пол. 1920-х гг.) и в жанровых картинах («Возвращение с ярмарки», 1926, Русский музей, Ленинград. «Полотёр», 1946, Третьяковская галерея). К. был также мастером театральной декорации, оставил большое графическое наследие. Государственная премия СССР (1943). Награжден орденом Трудового Красного Знамени и медалями. Лит.: Кончаловский. Художественное наследие. Вступит. ст. А. Д. Чегодаева, М., 1964. Нейман М. Л., П. П. Кончаловский, М., 1967. Выставка произведений П. П. Кончаловского. 1876-1956. Каталог, М., 1968. А. А. Александров. П. П. Кончаловский. Автопортрет с женой. 1923. Третьяковская галерея. Москва. П. П. Кончаловский.

Живопись и творчество

Творческий путь Петра Кончаловского был долгим: начав с классической живописи, он прошел период поиска новых способов самовыражения и в итоге вернулся к реалистичной стилистике. Проследить это можно на примере автопортретов художника, написанных в разных направлениях и с использованием диаметрально противоположных цветовых решений.

Сначала стилистика Кончаловского напоминала творчество Константина Коровина, но, завершив учебу, художник отправился в Париж, где побывал на выставке картин Винсета Ван Гога. Впечатления от живописи гениального фламандца наложили отпечаток на творчество Кончаловского: по словам художника, Ван Гог раскрыл Петру глаза на собственное творчество.

Работы Петра Кончаловского, сделанные под влиянием живописи Ван Гога и Матисса

В работе того периода легко заметить влияние и других прославленных художников: Поля Сезанна и Анри Матисса – их картины поражали Кончаловского до глубины души.

В начале 1910-х годов Петр Петрович вместе с коллегами по цеху организовал художественную группу «Бубновый валет». Ее участники демонстративно пренебрегли канонами реалистической живописи и следовали по пути формализма. Основами творчества стали постимпрессионизм, кубизм и фовизм.

Портрет семьи кисти Петра Кончаловского

В этот период биографии сформировался собственный стиль Кончаловского: плотный, насыщенный, изобилующий яркими красками и лишенный ненужных деталей. Характерной особенностью, с которой Петр Петрович в то время писал натуру, является статичность: в натюрмортах, портретной и композиционной живописи художника нет и намека на динамику.

В 1912 году Кончаловский попробовал себя в качестве театрального художника и сделал костюмы и декорации для оперы «Купец Калашников» в постановке Антона Рубинштейна. Этой работой, стилизованной под лубок, Петр Петрович остался доволен и до конца жизни считал ее лучшим своим произведением в этом жанре. В это время в картины художника вместе с примитивизмом приходит «движение», внутренняя энергия. Это хорошо заметно по таким работам, как «Печка» и «Сухие краски».

Эскиз декорации Петра Кончаловского для оперы «Купец Калашников»

Когда началась Первая мировая война, Петр Петрович ушел на фронт, но воевал недолго – в 1915 году художника контузило, и его направили в тыл, на лечение. После этого Кончаловский участвовал в «Выставке картин левых течений», а также вышел из «Бубнового валета», перейдя в объединение «Мир искусства».

После революции в живопись Петра Петровича начал возвращаться реализм, хотя краски остались по-прежнему яркими. Кончаловского привлекала «радость жизни», хотя он умел совмещать ее с действительностью, придавая картинам как комический, так и трагический колорит. Это видно по портрету Всеволода Мейерхольда, который на момент написания картины уже лишился театра: яркие краски приглушены, а выражение лица режиссера говорит само за себя.

Портрет Всеволода Мейерхольда кисти Петра Кончаловского

Особое место в живописи Кончаловского всегда занимали натюрморты, особенно цветочные. Художник говорил, что пишет их по причинам, сходным с теми, по которым пианисты играют гаммы – это трудное и необходимое упражнение.

Натюрморт Петра Кончаловского «Сирень в корзине» Наиболее яркими представителями цветочной тематики в произведениях Петра Петровича являются картины «Сирень в корзине», «Пионы у окна» и «Всякие цветы».

Важным этапом творчества Кончаловского стал период увлечения фигурой Михаила Лермонтова. В 1927 году Петр Петрович уехал на Кавказ, и результатом поездки стала серия картин, основанных на творчестве поэта. В 40-е годы художник писал портрет Михаила Юрьевича, выбрав для изображения трудный период биографии Лермонтова. На картине поэт изображен в момент отдыха на станции Казбек, на которой он остановился, следуя в первую ссылку.

Натюрморт Петра Кончаловского «Пионы у окна»

Советская власть мало повлияла на творчество Кончаловского – художник всегда старался держаться как можно дальше от политики, но при том – не вступать с ней в конфронтацию.

Петру Петровичу даже удалось избежать написания портрета Иосифа Сталина, хотя ему предлагали – он сослался на то, что, будучи реалистом, не может использовать в качестве натуры фотографию. Допускать к настоящему «великому вождю» художника, разумеется, никто не собирался. И даже при этом Кончаловский получил в 1942 году Сталинскую премию за многолетние выдающиеся заслуги в области искусства.

Люсьена Овчинникова, Валентин Козлов: супружеская жизнь

Несмотря на крепкие семейные узы, Валентину Козлову все же пришлось расстаться со своей первой женой. Его новой избранницей стала известная на тот момент актриса театра и кино Люсьена Овчинникова. С ней они познакомились во время очередных съемок. По словам очевидцев, у них завязался бурный роман, в конечном итоге приведший к громкой свадьбе.

Однако и этот брак не был для актера счастливым. Настали времена, когда его непростой характер перестал устраивать режиссера театра. В начале 1972 года он со скандалом ушел прочь. За ним последовала и его супруга.

Дальше было еще несколько театров, где Валентин безуспешно пытался закрепиться, но ему это так и не удалось. Супруга героя всячески пыталась поддержать мужа. Она даже старалась договариваться с режиссерами, в буквальном смысле выпрашивая для возлюбленного хотя бы маленькую эпизодическую роль. Но все было тщетно. 1972 год стал переломным моментом для карьеры обоих актеров. Валентин все чаще прикладывался к бутылке, стал вспыльчивым, нервным, и поговаривают, что иногда поколачивал жену.

Статьи[27]

Мемориальная доска в фойе Театра Комедии.

• Художник в театре // Жизнь искусства (Ленинград). — 1928. — № 10. — С. 8—9.
• Ответ молодому фронту // Жизнь искусства (Ленинград). — 1928. — № 17. — С. 7.
• Оформление спектакля: О спектакле «Жена» // Жизнь искусства (Ленинград). — 1929. — № 2. — С. 13.
• К постановке «Врагов». // Жизнь искусства (Ленинград). — 1929. — № 13. — С. 17. (В соавторстве с А. Лаврентьевым)
• 20 строк, которые потрясли Радлова // Жизнь искусства (Ленинград). — 1929. — № 29. — С. 7.
• К постановке «Тартюфа». (В соавторстве с Н. Петровыми В. Соловьёвым) // Жизнь искусства (Ленинград). — 1929. — № 48. — С. 12—13.
• Сегодня «Робеспьер» // Красная газета (Ленинград). — 1931. — 12 февраля. — Вечерний выпуск.
• «Гамлет». К постановке в Театре им. Евг. Вахтангова // Советский театр (Москва). — 1932. — № 3. — С. 14—17.
• Внешность спектакля // Раскольников Ф. Робеспьер. — Л., 1931. — С. 13—14.
• Как Театр им. Евг. Вахтангова ставит «Гамлета» // Известия. — 1932. — 26 марта.
• О «Гамлете» // Советское искусство. — 1932. — 3 марта.
• О себе // Творчество. — 1935. — № 7.
• По поводу «Снежной королевы» // Искусство и жизнь (Ленинград). — 1939. — № 6. — С. 33.
• Время и классики // Валенсианская вдова: Комедия в 3-х действиях Лопе де Вега. — Л., 1939. — С. 3—6.
• Трансформирующий павильон. — М.: Изд. сценической экспериментальной лаборатории при МХАТ СССР им. М. Горького, 1943.
• Нелегкий, но плодотворный труд // Смена (Ленинград). — 1955. — 25 марта.
• О сатире: Литературные заметки // Известия. — 1956. — 23 августа.
• Художники театра // Ленинградская правда. — 1957. — 9 февраля.
• Художники советского театра //Советская культура. — 1957. — 5 марта.
• Новый сезон в Театре комедии // Ленинградская правда. — 1957. — 20 августа.
• Памяти Евгения Шварца // Театр. — 1958. — № 2. — С. 175.
• Современность в содержании и форме // Вечерний Свердловск. — 1959. — 6 июля.
• Это возможно! // Литература и жизнь. — 1959. — 15 июля.
• Правда жизни и условность в оформлении спектаклей // Художники театра о своем творчестве. — М., 1973. — С. 27—43. (Статья 1960 г.)
• Реплика: По поводу статьи А. В. Солодовникова // Театр. — 1960. — № 9.
• Последнее интервью… // Советская культура. — 1968. — 7 сентября.